Bruno Munari designer italien : 5 clés pour voir autrement

Pourquoi Bruno Munari designer italien dépasse-t-il les frontières entre art et objet ?

Bruno Munari dépasse ces frontières parce qu’il considère peinture, sculpture, graphisme et design comme les aspects complémentaires d’une même recherche sur la forme, le mouvement et la perception. Chez lui, une affiche, un mobile ou une horloge ne se définissent pas d’abord par leur catégorie, mais par l’expérience visuelle qu’ils proposent.

Formé au contact du second futurisme dès 1927, Munari en retient le goût du dynamisme, puis s’éloigne de sa célébration de la machine. Entre 1930 et 1933, ses Machines inutiles, assemblages légers de carton, de bois et de fils, abandonnent toute fonction pratique pour faire entrer l’air, l’équilibre et la durée dans l’œuvre. La fondation du MAC, Mouvement pour l’art concret, en 1948, prolonge cette recherche avec les Négatifs-positifs, où fond et figure deviennent réversibles. Ces repères concrets pour lire la démarche d’un artiste montrent une évolution cohérente, de la représentation du mouvement à sa présence réelle.

Les Machines inutiles accomplissent le « passage de l’art figuratif de deux, ou trois dimensions à la quatrième dimension : le temps ». Notice biographique Treccani, Rosa Monaco, 2012, traduction de l’italien.

Les archives MunArt et la collection du MoMA rendent sensible cette circulation entre objet usuel et expérimentation cinétique. La reconnaissance du design ne referme donc pas son parcours, elle en confirme la continuité : la notice Treccani documente ses Compasso d’Oro de 1954, 1955 et 1979, puis celui attribué pour sa carrière en 1995. De la petite sculpture en mousse au mobilier pour enfant, Munari conserve la même exigence : réduire les moyens, activer la curiosité et laisser le regard participer.

Comment reconnaître la méthode de Bruno Munari dans ses objets, ses livres et ses ateliers ?

La méthode de Bruno Munari se reconnaît à cinq signes : peu de moyens, une forme qui se transforme, des matières rendues sensibles, un humour utile et une place active accordée au public. Ses créations ne demandent pas seulement à être admirées, elles invitent à déplier, manipuler, parcourir, combiner et découvrir.

• L’économie de moyens. La lampe Falkland de 1964 naît d’un tube de tissu élastique maintenu par quelques anneaux métalliques. Repliée, elle occupe très peu de place. Suspendue, elle devient un volume lumineux souple, dessiné par la pesanteur.
• La transformation par le mouvement. Chez Munari, la forme n’est jamais entièrement arrêtée. Un geste suffit pour déployer Falkland, tourner les pages d’un livre ou modifier l’usage d’Abitacolo. L’objet révèle ses possibilités dans le temps.
• L’attention aux matières. Les Livres illisibles, commencés en 1949, remplacent le texte par des papiers colorés, des découpes, des transparences et des formats variables. Le grain, l’épaisseur et le bruit des pages deviennent le récit.
• L’humour fonctionnel. Le cendrier Cubo, conçu en 1957, dissimule les cendres sous une feuille d’aluminium pliée, insérée dans un simple cube. Cette petite énigme visuelle répond à un usage précis tout en rendant le geste quotidien plus surprenant.
• La participation du public. Abitacolo, structure modulaire créée en 1971, n’impose pas une manière unique d’habiter. Son cadre métallique peut accueillir lit, livres, objets ou images selon les besoins de l’enfant. Le design fournit une règle de jeu plutôt qu’un décor achevé.

Cette participation devient centrale dans les ateliers que Munari développe pour les enfants, notamment à la Pinacothèque de Brera en 1977. Il n’y propose pas un modèle à reproduire, mais des opérations à essayer : plier, frotter, découper, assembler, observer une empreinte ou éprouver la résistance d’un matériau. L’adulte prépare les conditions de l’expérience, puis laisse l’enfant chercher. Cette pédagogie prolonge directement les objets et les livres, car elle privilégie le processus, la curiosité et la découverte personnelle. La présentation du Munari Method par le MoMA, publiée en 2017, rappelle combien jeu et apprentissage demeurent liés dans sa pratique.

Cette méthode reste actuelle parce qu’elle offre des clés de lecture concrètes pour aborder l’art contemporain sans jargon. Devant une œuvre, il suffit parfois de demander avec quoi elle est faite, ce qui peut y bouger, quel geste elle sollicite et quelle liberté elle nous laisse. Regarder devient alors une expérience active, attentive aux formes autant qu’à nos propres réactions.

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