Artistes contemporains, couleurs inhabituelles et portraits : comment les lire sans se perdre ?

Pourquoi des artistes contemporains choisissent-ils des couleurs inhabituelles pour le portrait ?

Parce qu’un portrait contemporain ne cherche pas toujours à reproduire fidèlement une peau ou un visage, il cherche souvent à rendre visible une intensité, une fragilité, une vibration intérieure. Des couleurs inhabituelles servent alors à montrer plus qu’une ressemblance : une présence, une tension, une manière d’être au monde.

« Au XIXe siècle, la diversité des tendances, des courants artistiques et des sensibilités permet de nouvelles approches stylistiques qui permettent d’aborder la psychologie des personnages représentés sous de nouveaux jours. »

Source : Château de Versailles, dossier pédagogique « Qu’est-ce qu’un portrait ? », PDF mis à jour en 2021.

Concrètement, on peut commencer par regarder le contraste. Un front vert contre une joue rose vif, une ombre bleue sous les yeux, une bouche orangée sur une carnation froide : rien de tout cela n’est “réaliste”, mais tout cela agit sur notre lecture. Le contraste dramatise un regard, durcit une fatigue, réchauffe une présence. La couleur ne décrit plus seulement la chair, elle interprète ce que le peintre perçoit du modèle. C’est souvent là que le portrait devient plus juste que fidèle.

La carnation transformée est un autre indice essentiel. Lorsqu’un visage tire vers le mauve, le jaune, le gris perle ou le rouge brique, il faut se demander non pas “est-ce la bonne couleur ?”, mais “qu’est-ce que cette couleur me fait sentir ?”. Elle peut suggérer une tension nerveuse, une douceur retenue, une solitude, parfois une intensité presque physique. Pour prolonger cette attention au visible, on peut aussi consulter ces repères pour lire la démarche d’un artiste peintre, utiles pour relier les choix plastiques à une intention plus profonde.

Le fond coloré joue, lui aussi, un rôle décisif. Un aplat turquoise derrière la tête isole le visage et le fait vibrer, un rouge sombre rapproche la figure jusqu’à l’étouffement, un jaune acide crée une inquiétude légère. Enfin, la matière picturale achève de donner son ton au portrait : une peinture lisse installe souvent une distance, tandis qu’une pâte plus épaisse, avec des brosses visibles ou des reprises sur la joue et le front, rend le visage plus instable, plus vivant. Lire un portrait contemporain, c’est donc accepter que la couleur ne copie pas la peau, mais révèle ce que la simple ressemblance laisserait dans l’ombre.

Quels artistes contemporains et quels portraits regarder pour comprendre ces couleurs rares ?

Pour comprendre ces couleurs rares, le plus utile est de regarder quelques portraitistes qui assument clairement la dissociation entre ressemblance et vérité sensible. Une petite sélection bien observée, surtout chez Marlene Dumas, Chantal Joffe, Jenny Saville ou Lynette Yiadom-Boakye, éclaire mieux le sujet qu’une théorie trop générale.

On peut commencer par comparer des œuvres où la couleur agit comme un révélateur. Chez Marlene Dumas, les visages semblent traversés de bleus, de mauves ou de verts qui troublent d’emblée la lecture, mais donnent au regard une intensité presque liquide. Chantal Joffe, elle, laisse souvent apparaître des roses crus, des gris froids, des jaunes discrets qui rendent la figure plus vulnérable, plus humaine. Chez Jenny Saville, la chair déborde de rouges, de violets et de zones cendrées, comme si la peinture montrait à la fois la présence du corps et sa fragilité.

Cette comparaison permet ensuite de regarder plus précisément. Devant ces portraits, on peut se demander : - où la couleur s’écarte franchement du naturel, sur le front, les joues, les paupières ; - si le fond prolonge l’émotion du visage ou la contrarie ; - si la matière est lisse, frottée, reprise, épaissie ; - si la couleur isole la figure ou la fait vibrer avec l’espace autour d’elle.

Ce sont souvent les mêmes constantes visuelles qui reviennent. D’abord, une carnation déplacée, jamais gratuite, qui fait sentir un état plutôt qu’une simple peau. Ensuite, un contraste local très précis, par exemple une ombre verte près d’une pommette chaude. Puis une matière visible, qui empêche le visage de se figer. Enfin, un fond coloré actif, loin du décor neutre. Pour qui aime suivre ces passages entre stylisation et émotion, on peut aussi explorer un autre univers sensible de couleur et de stylisation, dans un registre bien différent mais tout aussi attentif à la charge expressive des teintes.

Un repère utile consiste donc à ne pas demander d’abord si la couleur est juste, mais si elle rend le portrait plus habité. C’est à cet endroit précis que ces artistes deviennent précieux : ils apprennent à voir comment un violet, un vert ou un gris inattendu peut faire apparaître, dans un visage, quelque chose de plus vivant que la seule ressemblance.

FAQ